PHOTOGRAPHIC ARTISTRY [+French translation]

People’s Stories Project first met Kinshasa-based photographer Godelive Kabena Kasangati at last years’ Rencontres de Bamako –  African photography biennal. Using a Canon 1300D camera to capture her personal and performative images, Kasangati visually showcases an evolving identity as an actively experimental artist. Curator and cultural producer Cindy Sissokho spoke with her to find out more…

Growing up in an house didn’t save me from being lonely, the impression to not show myself to the world wasn’t an alternative for me.
L’effet de grandir dans une maison ne m’a pas délivrée de la solitude, l’impression de ne pas me dévoiler au monde n’était pas une alternative pour moi.

How much of your artistic practice did you learn in art school and how much is self-taught? 

I initially self-taught photography by working with my mobile phone camera. It is later on that I undertook a 2-year photography course which was organised by the EUNIC-RDC, the Goethe Institute Kinshasa and Kinshasa School of Arts. 

I always felt lonely although there were people surrounding me, as if I was a transparent bubble.
Je me sentais toujours seule malgré la présence des personnes près de moi, comme si j’étais dans une bulle transparente.

We met you in Bamako at the 25th biennale. How and when were you invited to take part? How did you feel about receiving the invitation?

Back in June 2019, I received a phone call from the curator, Astrid Lepoultier, to announce that I was selected to take part in the Biennale. I couldn’t believe it since I didn’t feel worthy of the Biennale. I said to myself that I would believe it once I am on the flight to Bamako. I was in a state of uncertainty because even family members and fellows couldn’t believe it. 

I had the impression to be on my own planet that isn’t Earth, as I felt so far from reality.
J’ai l’impression d’être sur ma petite planète qui n’est pas la Terre, car je me sens loin de la réalité.

Your work dominated an outside section of the festival, the National Museum in Bamako? Did you help curate the space? Were you happy with how your work was shown?

I didn’t get involved in the curation of the space and installation as I wanted to discover my work at the same time than the Biennale visitors. 

When I saw it for the first time, I had the impression that I was looking at other photographer’s works and I rediscovered my photographs in a different angle. I also had the impression to see a new series of photographs. And it brought back a lot of memories.  

I always had the impression not to be the one that I should have been. J’ai toujours eu l’impression de ne pas être celle qu’il fallait que je sois.

What kinds of inspiration did you get from being in Mali and meeting other photographers and artists?

I was really pleased to meet other peer photographers such as Mauro Vombe, and others that I discovered online, were also present. I was touched to come across photographic techniques by photographs such as Eric Gyamfi and his installation Fixing Shadows; Julius and I. I had the impression to be in a universe of images. 

This adventure in Bamako laid down a challenge for the development of my own photographic practice, and generally to question photography differently, for example, as “sound”, or as a practice linked to psychiatry. It also taught me to be trust my work more as I was selected to be part of it with these incredible photographers. 

The fear to integrate in the world gave me the fear to face the world and of wanting to stay in my own imaginary world where loneliness was a motto. La peur de m’intégrer au monde me plongeait dans une peur de l’affronter et de vouloir rester dans mon propre monde imaginaire ou la solitude était une devise.

You rarely use colour in your photography. Why is black and white your aesthetic of choice? 

It all started when I was a teenager, when I often preferred to remain unnoticed and to dress up because I didn’t like my body and it was also a time when I felt lonely. The taste of black [and white photography] is the result of a self-perception and of this feeling to be in a bubble. This preference for black and white is also part of my intention to bring the audience directly to the essential. When referring to the essential, I mean the punctum, as per Roland Barthes1. The punctum is the detail that triggers a strong emotion to the spectator and allows for a deeper attention. Obviously, this isn’t my intention by using black and white photography because the subjects aren’t combined within a multicoloured optical vision. 

1Barthes, Roland. Camera Lucida New York: Hill and Wang, 1981.

Of course, I didn’t grow up on my own but in a house where other people lived. But although they were there, I felt limited in relation to my vision of the world and of those that surrounded me, because my vision was limited to absences.
Évidemment je n’ai pas grandi seule dans une maison, il y avait d’autres personnes mais malgré leur présence je me sentais limitée par rapport à ma vision du monde et de tous ceux qui m’entourait car ma vision se limitait au manque.

Is there a young photography scene in DRC? 

Yes, there is a large scene of young photographers, such as, to name just a few, Gosette Lubondo, Myra Dunoyer Vahighene, Magloire Mpaka, Arsene Mpiana, Azgard Itambo and Isaac Sahani. 

Are there many venues and spaces to showcase your work in DRC?

No, I think there is a lack of galleries in DRC but there are still a few art spaces where I can show my work. To name a few, there are The French Institute Kinshasa, Monts Des Arts, Bilembo, Kin Art Studio (KAS) and the Wallonie Bruxelles – Kinshasa Centre. But so far, I haven’t had the opportunity to present my work in these spaces. 

Of course, I didn’t grow up on my own but in a house where other people lived. But although they were there, I felt limited in relation to my vision of the world and of those that surrounded me, because my vision was limited to absences.
Évidemment je n’ai pas grandi seule dans une maison, il y avait d’autres personnes mais malgré leur présence je me sentais limitée par rapport à ma vision du monde et de tous ceux qui m’entourait car ma vision se limitait au manque.

Would you say that you are a photographer, an artist or a performance artist? 

I wouldn’t disassociate performance with the way I take photographs if we were to relate it with my interaction with the subjects and objects in my work. It is also connected to the postures that I carefully choose for the subject(s) during the photo shooting. I also call myself an artist and want to be identified as an artist-photographer and then more generally as a visual artist. Mainly because I am also interested in artistic video without abandoning painting, which connects me to photography. I was initially a painter. Actually, I will soon be receiving a diploma in painting from Kinshasa School of Arts. 

Fear, incertainty made me feel as if I was floating in a mix of emotions and the reality of a familiar world where I couldn’t control anything.
La peur, l’incertitude m’amenait dans un état ou je sentais que je flottais dans un mélange d’émotions et de réalité d’un monde familier ou je ne maitrisais rien.

Your film NJIYA is beautiful. Can you say a little about the title and meaning of the film?

Njiya is a Swahili word which means ‘pathway’. This film is an ongoing questioning about life and death and life after death. It transmits the idea and the beliefs that humans have about the existence of life after death and the passage between the two worlds. Does a life after death exist? What do we become? Who would we see? Would we see God or ancestors? And are all these suppositions true? Should we be afraid of death? Is this passage between life and death a discovery or a surprise? 

NJIYA – A film by Godelive Kasangati

How did you create the sound for NJIYA? 

I remember struggling to find the soundtrack that I really wanted for the film. A friend and I decided to slow down the recording of a pastor’s preaching. We were very surprised by the result and realised that it was the perfect sound for the film. 

Is making film and video something that is new to your artistic practice?

Yes, it is, the production of the video is a new form of expression for me, but I find it a very interesting medium to use from now on. I like images that aren’t explicit and clearly defined. 

Also, I really like the direction that the characters take towards an opening. For me, this represents a way that remains uncertain for the passage to the invisible world which could or not be after death. 

The fact that I was hiding was one option amongst others because I was seeing the rest of the world as foreign to my eyes. Le fait de me cacher n’était qu’une option parmi tant d’autres car je percevais le reste du monde comme étant étranger à mes yeux.

There’s a melancholy feeling to your still images. Is this intentional in terms of some of the stories you are telling or emotions you are showing in your work? 

Yes, that’s right because the wounds aren’t expressed by words but manifested by emotions that I try to recreate through my photographs. 

Comme si mon âme allait lâcher mon corps, vu que je ne savais pas comment gérer toutes ces choses, la solitude, la peur…
As if my soul was leaving my body, as I didn’t know how to manage all these emotions, whether it was loneliness or fear…

Do you have any photographic or general artistic icons (past or present) who inspire your creativity? 

I will always remember a book that a friend recommended me. It was The Outsider by Albert Camus, a book that inspired me to name a series of photographs Outsider because the story kept questioning me on the identity of the author. 

By realising this series of photographs related to questions of identity, the word ‘outsider’ was haunting me. In working on this series, I was also inspired by paintings and works by African and South African photographers such as Samuel FossoZanele Muholi and Lebohang Kganye, amongst others. 

In which countries have you previously shown your work?

The only other international opportunity I’ve had was in Bamako, Mali. But I have an upcoming exhibition at the Musée de la Palmeraie in Marrakesh (date TBC due to Covid-19). 

The impression to look at the world from far away.
L’effet que je percevais le reste du monde de loin.


People’s Stories Project a rencontré la photographe Godelive Kabena Kasangati pour la première fois lors des Rencontres de la Photographie de Bamako l’année dernière. Kasangati représente une identité en constante évolution comme une artiste expérimentale en utilisant un Canon 1300D pour capturer ses images à la fois personnelles et performatives. La commissaire d’exposition et productrice culturelle Cindy Sissokho l’a interviewée pour en savoir plus… 

Comment as-tu développé ta pratique artistique ? As-tu appris en école d’art ou de toi-même ? Les deux? 

Les deux, j’ai commencé tout bord en 2016 avec comme simple outil, mon téléphone. J’ai ensuite eu une formation en photographie pendant 2 ans, une formation organisée par l’EUNIC-RDC, le Goethe Institut de Kinshasa et l’Académie des Beaux-Arts de Kinshasa.

Nous nous sommes rencontrés à la 25ème édition des Rencontres de la Photographie de Bamako. Comment et quand y as-tu été invitée ? Quelle était ta réaction lorsque tu as reçu une invitation? 

À la fin du mois de juin 2019, j’ai reçu un appel de la conservatrice Astrid Lepoultier me disant que j’étais sélectionnée, je n’y ai premièrement pas cru, étant donné que je ne m’estime pas à la hauteur de cette Biennale. Et je me suis dit que j’allais y croire le jour où je prendrais l’avion pour Bamako. J’étais dans une incertitude car même certains membres de ma famille et mes prochains n’y croyaient pas non plus. 

Ton travail était présenté en plein air, au Musée National de Bamako ? As-tu participé à la mise en place de l’installation ? Étais-tu satisfaite de la manière dont ton travail était présenté ? 

Je n’ai pas voulu participer à l’installation car je voulais découvrir les œuvres en même temps que le visiteur. En premier lieu, j’ai eu l’impression de voir les photos d’autres photographes car j’ai redécouvert mes photos sous une autre facette et beaucoup de souvenirs sont parvenus. J’ai également eu l’impression que je me retrouvais devant une nouvelle série de photos. 

Quelle inspiration as-tu ressentie lors de ton séjour au Mali et en rencontrant d’autres photographes et artistes? 

J’étais ravie de rencontrer des photographes que je connaissais de loin, grâce à Internet comme Mauro Vombe entre autres. J’étais émue par la découverte de différentes techniques photographique de certain photographe. L’installation Fixing Shadows; Julius and I d’Éric Gyamfi est un bon exemple, j’avais l’impression d’être dans un univers d’images.

Cette aventure à Bamako m’a imposée un défi sur le développement de ma pratique photographique, et par exemple, de m’interroger sur la photographie en tant que ‘son’ ou encore comme une pratique liée a la psychiatrie. Finalement, j’ai appris à avoir plus confiance en mon travail car il était sélectionné et présente parmi les travaux d’autres grands photographes. 

Tu n’utilises pas souvent de couleurs dans ta photographie. Pourquoi le noir et blanc est-il une préférence dans ta pratique?

Tout a commencé lorsque j’étais adolescente, je préférais souvent passer inaperçue, me déguiser, car mon corps ne me plaisait pas et parce que je me sentais seule aussi. Le goût du noir n’est que le résultat d’une auto-perception et de l’effet de se sentir comme dans une bulle. 

C’est aussi tout simplement une préférence, le noir et blanc me permet d’amener mon audience directement à l’essentiel. Et en parlant de l’essentiel, je vois le punctum en faisant référence à Roland Barthes1, comme le détail qui provoque une forte émotion chez le spectateur et qui attire une attention toute particulière. Bien évidemment une attention qui ne relève pas de mon intention mais que le noir et blanc peut prévoir car les sujets ne se confondent pas à une vision optique en plusieurs couleurs. 

Roland Barthes, La Chambre Claire : Note sur la Photographie, Paris, Seuil, 1980. 

Y a-t-il une jeune scène de la photographie en RDC? 

Oui, il y a une grande scène de jeunes photographes comme par exemple Gosette Lubondo, Myra Dunoyer Vahighene, Magloire Mpaka, Arsene Mpiana, Azgard Itambo, Isaac Sahani et d’autres. 

Y a-t-il des espaces et galeries pour présenter ton travail en RDC?

Non, je pense qu’il y a une carence de galeries en RDC, mais il y existe quand même des structures artistiques où je peux présenter mon travail comme l’Institut Français de Kinshasa, Espace Monts des Arts, Bilembo, Kin Art Studio (KAS), le Centre Wallonie-Bruxelles de Kinshasa. Mais jusque-là, j’ai ne pas eu l’opportunité d’y présenter mon travail dans une galerie à Kinshasa. 

Dirais-tu que tu es une photographe, une artiste ou une performeuse ? 

Je ne saurais dissocier la performance à ma façon de photographier vis-à-vis de l’interaction active avec des costumes, des objets et l’espace, ainsi que les poses que je dirige avec les sujets pendant les séances de travail. 

Je pense que je suis une artiste aussi, je m’identifie en tant qu’artiste-photographe et plus généralement en tant qu’artiste visuelle car je m’intéresse aussi à la vidéo artistique sans pour autant laisser inaperçu la peinture qui m’a aussi rapprochée du médium de la photographie. Dans le principe, je suis peintre et je vais d’ailleurs, prochainement obtenir un diplôme pour ma licence en Peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Kinshasa. 

Ton film NJIYA est magnifique. Peux-tu nous en dire un peu plus, plus précisément sur le titre et le sens du film? 

Le mot ‘Njiya’ est d’origine swahili qui veut dire chemin. Le film est un questionnement sur la vie et la mort et la vie après la mort. Il projette plus précisément l’idée et les croyances que les humains se font sur l’existence de la vie après la mort et le passage entre ces deux mondes. Existe-t-il une vie après la mort ? Que devenons-nous ? Qui verrons-nous ? Verrons-nous un Dieu ou des ancêtres ? Et toutes suppositions sont-elles vraies ? Devrions-nous être effrayés par la mort ? Et ce passage entre la vie et la mort inclut-il une découverte ou une surprise? 

Comment as-tu créé la musique pour NJIYA ? 

Je me souviens que je ne parvenais pas à trouver le son que je désirais pour mon film.

Un ami et moi avons expérimentés avec le ralentissement d’une prédication d’un pasteur. Nous avions, tout d’abord été surpris du résultat, puis j’ai réalisé que c’était le son parfait le film. 

La production de musique et de vidéo est-elle nouvelle pour toi ? 

Oui, surtout la vidéo. C’est une nouvelle discipline que je trouve intéressante afin de m’exprimer davantage. J’aime jouer avec les images qui ne sont pas nette et précise, et j’aime cette direction que les personnages prennent vers une ouverture. Cela représente pour moi une voie qui reste incertaine pour un passage vers le monde invisible qui pourrait être ou ne pas être après la mort. 

Il y a une certaine mélancolie dans les images statiques. Est-ce intentionnel en lien avec les histoires que le film nous raconte et les émotions que tu représentes dans ton travail? 

Oui cela est intentionnel car ces blessures ne se sont pas manifestées par des mots mais plutôt par des émotions que je tente de toujours recréer dans mes photos. 

Y at-il des artistes ou autres icônes de la photographie qui t’inspirent ? 

Je me rappellerais toujours d’un livre qu’une amie m’a recommandée, l’Étranger d’Albert Camus. Cet ouvrage m’a permis de nommer une de mes séries photos Étrangère, car elle se réfère à l’histoire d’une étrangère et je ne cesse de me questionner sur l’identité de l’auteur. 

En réalisant mon travail qui a trait à l’identité, le mot « étranger » me hantais. Il y a également certains tableaux qui ont attirés mon attention dans la réalisation de ce travail ainsi que de certains photographes sud-africains et africains. Malheureusement, je ne me souviens pas des noms de ces peintres. Mais les photographes dont je me réfère sont Samuel FossoZanele MuholiLebohang Kganye, parmi d’autres. 

Dans quel pays as-tu auparavant montré ton travail?

La première fois que j’ai présenté mon travail dans un autre pays était à l’occasion de la Biennale de Bamako. Mais je devais avoir une exposition au mois d’avril à Marrakech au Musée de la Palmeraie (les dates ont été reportées à cause du Covid-19).

Interview et traductions par Cindy Sissokho.